The Spoils: ‘Les Miserables’ -regissør Tom Hooper svarer på sine kritikere

Hvilken Film Å Se?
 

Ganske mye fra det øyeblikket det ble kunngjort at Tom Hooper, som nettopp hadde vunnet Oscar for å regissere den beste billedvinneren 2010 'The King's Speech', ville være hjelper en ny filmatisering av 'Les Miserables' for Universal fylt med stjernene Hugh Jackman, Russell Crowe, Anne Hathaway, Helena Bonham Carter, Amanda Seyfried og Sacha Baron Cohen, er prosjektet forventet på Oscar-stemmesedler. Men et underlig skille har materialisert seg siden filmgjengerne endelig begynte å se den episke musikalen de siste ukene - som om det ble reist en barrikade mellom publikum og kritikere, mellom filmen og dens prisfylte skjebne.



Til tross for de fire nylige nominasjonene hver fra Golden Globes og Screen Actors Guild - og begeistret skravling om Hathaways dynamittutførelse av “I Dreamed a Dream” - har “Les Miserables” utrolig sterk konkurranse om de fem beste sporene i hver Oscar-kategori. Stemmegivningen er åpen til 3. januar, og 'Lincoln,' 'Zero Dark Thirty', 'Life of Pi', 'Argo' og 'Silver Linings Playbook' fortsetter å trives med både publikum og kritiske valgkretser på en måte som 'Les Mis ”har ikke. Og Hooper har vært enda mindre i spill for regissørnomene de siste ukene.

LES MER: Bortskjemningene: Kunne Oscar tildele griseknaggene og sumprottemagien fra ‘Beasts of the Southern Wild’?

Mens det nakent emosjonelle materialet utvilsomt har koblet seg til publikum - en verdensomspennende eiendom, samlet 'Les Mis' 18,2 millioner dollar juledag, den nest beste høytidsåpningen noensinne - anmelderne har vært mye mer kritiske, med spesiell fordømmelse forbeholdt noen av Hoopers største instruksjonsvalg. Tidlig bestemte Hooper og de andre filmskaperne seg for å fremføre filmen helt i sang og å spille inn disse sangene helt live til kamera, og alt annet fulgte av det: produksjonsdesignet, kameraarbeidet, innrammingen, redigeringen.

LES MER: Spoils: Hvorfor filmskaperne bak ‘Chasing Ice’ skal jage Sean Hannity like mye som Oscar

Morgenen etter filmens australske premiere, fredag ​​21. desember, kom Hooper på telefon med Indiewire for å ta opp mange av disse kritikkene og for å forklare tankene og strategiene som gikk inn i hver beslutning. Enten dette dyptgående blikket på hans kreative prosess endrer tankene i de kritiske rekkene - eller i akademiet - ville være vanskelig å måle, men det gir eksepsjonell detalj om hvordan han og hans mannskap nærmet seg den skremmende utfordringen med å snu en av de scenens største suksesser i en følelsesmessig tilfredsstillende storskjermopplevelse.

Hvordan gikk premieren i går kveld '>

Er det en faktisk soloppgang i England?

Noen ganger. Det er skrevet om. Så da er det flotte som betydde at vi også kunne lage et design for gaten som var det vi trengte. Og Eve Stewart, som er en så ekstraordinær produksjonsdesigner, kom med denne fantastiske planen der studentkafeen var som en slags mini-Flatiron-bygning, som falt i seg selv slik at bygningen strukturelt falt til høyre og taket er litt bøyd over, slik at du får denne følelsen av at studentene ’; bygning har en slags prekærhet overfor det. Det er tynt og sårbart og er i ferd med å velte. Og det skapte også et sentralt fokuspunkt for mange av videne i scener som det. Så “; på egenhånd, ”; som er på vei mot der Marius bor, har du et slags ikonisk skudd av den kaféen. Så det ga det også et flott fokuspunkt. Det minnet meg også om måten det ligger på et skip, som er et stort tema i filmen, et tilbakevendende tema for havet og skip. Du har Hugh trukket inn krigsskipet i begynnelsen av at ’; er blitt skadet, og deretter blir Hugh løslatt fra fengselet under krigens skipsbue, og deretter Fantine tilbake til et skip. Så [Flatiron-designen] var en måte å minne folk på det visuelle temaet på.

Men så er alt over hustakene CGI?

Yeah. Det beste eksemplet er sannsynligvis “; Stjerner, ”; der vi bygde denne takterrassen for Russell, og vi ser ørnen og bygde hele toppen der. Og så når du ser utover ham, at den CG. Men det vi gjorde er noe veldig troverdig. Vi gjorde en LIDAR-skanning av Notre Dame, noe som betyr at vi gjorde en hel geometrisk skanning av bygningen fra alle sider, noe som er nøyaktig ned til en hundredels millimeter eller noe. Det er veldig presist. Så vi skannet Notre Dame og så gjorde vi en veldig omfattende fotokartlegging av Notre Dame i forskjellige slags lys. Da bygger du i utgangspunktet en trådmodell av Notre Dame i 3D ved hjelp av LIDAR-skanningen, og tar informasjon om linsen du har valgt for å få den rette vinkelen og den rette avstanden fra Russell. Og så projiserer du på alle de forskjellige bildene av Notre Dame som du har tatt. Teksturene du ser blir ikke generert på en datamaskin, de er faktisk hentet fra hundrevis av forskjellige bilder i riktig vinkel og passende lys. Og så foran Notre Dame, i dag er det et stort turistsenter, mens det i disse dager var higgledy-piggledy middelalderske bygninger. Så der fotograferte vi alle gamle middelalderske bygninger i Paris som fremdeles eksisterer, og vi fotograferte og tok også skanninger av gatesettet vi bygde, forskjellige bygningstyper. Så vi har ikke skutt i Paris, men utrolig mange bilder når du ser Paris involverer fotografisk kartlegging og geometrisk kartlegging av det faktiske Paris for å lage det. Men det tillot oss også å gjøre ting som: når Russell begikk selvmord, da vi begynte å skyte, skjøt vi nærbildene først og hovedkameraet var på en kran, og det som tillot Russell å gjøre er hver gang han kom til på slutten av sangen kastet han seg fra settet vi bygde for broen. Så 20 meter ned til skum i bunnen, så han kunne gjøre hele sangen, til og med hoppet, hver gang, som han ville gjøre.

Har du fått ham til å gjøre det noen ekstra ganger, bare for å skru sammen med ham?

Jeg tror han sannsynligvis sang og hoppet av det 20 ganger. Kanskje det ikke var 20 fot. Det var nok til å tømme settet, så det var dramatisk. Og Russell hadde denne veldig interessante ideen om at i showet bare synger og hopper Javert på musikken. Russell syntes det var interessant å avslutte å synge og faktisk ha et øyeblikk med menneskelig forbindelse og stillhet før han hopper, noe jeg synes er veldig effektivt fordi det gjør det mye mindre melodramatisk enn å hoppe og synge, som er et musikalsk teaterapparat.

Det visuelle kom til meg som en slags hybrid ment å dra nytte av noen av de tingene du kan gjøre med kino, men likevel føles noe sceneaktig?

Eve Stewart, produksjonsdesigneren, og jeg hadde mange samtaler. Vi erkjente fra begynnelsen av at vi opprettet et alternativt univers der folk kommuniserer gjennom sang, og vi måtte gjøre det faktisk overbevisende. En av de store debattene er, hjelper du dette alternative universet hvis det ser ut og føles nøyaktig som vårt, det vi kaller " kjøkkenvaskerealisme ”; eller hjelper du det hvis det er som vårt, men bare litt økt, eller litt magisk realisme, litt annerledes enn vår egen? Og til slutt følte vi at veldig subtil økning i bestemte sekvenser ville hjelpe publikum til å bli transportert fra virkeligheten, som er mye som vår egen, men ikke er identisk med vår. Vi navigerte begge. Jeg er ikke sikker på at jeg nødvendigvis vil si at den forsøkte å være teatralsk, mer streber etter å ha litt lisens på den måten vi forestilte oss denne verden for å gjøre ting med det visuelle språket som hjalp historiefortellingen på måter den faktisk ville ikke gjort hvis du lager et helt realistisk historisk drama.

For å sammenligne, da jeg laget 'John Adams', ville jeg aldri ha forvirret måten Philadelphia ble designet for den første kongressen for å skape et øyeblikk der jeg ikke vet at John Adams føler seg overmannet av Philadelphia eller John Adams. føles som om han mislyktes, og plutselig dreier Philadelphia over og ødelegger ham. Jeg bygde Philadelphia absolutt slik vi vet at det eksisterte. Jeg tror jeg har vokst opp gjennom en veldig realistisk skole for filmskaping, med London-filmskapere som Mike Leigh og Ken Loach, som har utført ekstraordinær narrativ regi i Storbritannia, og så har du australiere som jeg beundrer som Peter Weir. De er veldig realistiske når det gjelder den fysiske verdenen. Og jeg tenkte fortsett, vel, frem til dette punktet er målet på det som er sant det som er reelt. Men når du holder på med en musikal, er ikke målet enkelt det som er sant, fordi de synger, noe som ikke er ekte. Så tiltaket blir ikke det som er reelt, men blir det som er følelsesmessig sant, og det blir en annen type tiltak. Så jeg trodde det var veldig sunt for meg som filmskaper å kutte noen av båndene som binder deg til en viss type realismens tyranni, der realisme alltid er dommeren. Å la meg gå inn på et mer ekspresjonistisk sted på kino. Og å glede seg over å være ekspresjonistisk, å glede seg over friheten til å være litt operatisk.

Og faktisk var det på noen måter inspirasjon i boka, for i boka leker Victor Hugo rundt med ganske mye mønstring. Så til og med navnene, Jean Valjean, Javert, J-V, er et av navnene inne i et annet. Han har denne bevisstheten om mønstre og symmetri, noe som er sant også i livet. Det er nesten dokumentariske nivåer av realisme på den måten han beskriver de fattige i Paris og hvordan Paris så ut med disse ganske åpenbare mønstringene, der du føler at verden har blitt organisert på en bestemt måte. Han skriver også fra synspunktet om absolutt Guds eksistens. Og når Gud eksisterer, kan Gud godartet påvirke eller på annen måte måten ting foregår på, og det kan være en ledende hånd på måten historier faller ut i vårt univers.

Nesten som en filmregissør. Det kommer alltid tilbake til Gud med dere.

[ler] Jeg vil gi deg et eksempel på den slags mønstring: temaet høyder, nedstigninger og oppstigninger. Så kameraet begynner bokstavelig talt å drukne i havet med et druknet fransk flagg, og det ender med å se opp mot himmelen på toppen av en veldig høy barrikade. Den går fra mørkt under vann til lys og høyde. Victor Hugo snakket om havet som “; målløs elendighet. ”; Og da har du fått Hugh stående i sjøen, og da han slapp løs, er han i skyggen av dette hydra-lignende figurhodet, og han går opp skritt til friheten og lar Javert ligge fortsatt under ham. Og så klatrer han opp på et fjell, og på toppen av dette fjellet er det en liten landsby der han finner Gud, så der er denne oppstigningen til opplysning. Og da Fantine, når livet begynner å gå galt, går hun ned skritt og hun går under en båt der hun er gitt bort til sin første klient og hun blir tvunget til prostitusjon i den rennende båtens vannholdige tarm og faktisk lyver i en kisteseng, som er den gamle typen senger som betjentene pleide å bruke på skip, som drukner halvt i vann. Og så når Hugh redder henne, løfter han henne og tar henne opp skritt til frihet, og lar Javert igjen under og under, og igjen ser du hydraen gjentas. Så all denne organisasjonen som forpliktet seg til språket symbolisme i filmen var noe jeg kunne gjøre fordi jeg bygde sett og fordi jeg hadde hjelp av CGI.

En gjennomgående kritikk hittil har vært valget om å holde seg i nærheten av hver skuespiller gjennom store deler av hver sang. I hvilken grad var det en funksjon av innspillingen av live-lyden '>

Og en dag kom Eddie Redmayne inn i kappestua, og jeg viste ham åpningen, og jeg viste ham “; Jeg drømte en drøm ”; fordi han slo døren ned for å se noe. Og han så det, og han nevnte det faktum at i teaser-traileren som vi redigerte, brukte vi dette flotte tette nærbildet av Anne, og han snakket om hvordan du ser muskulaturen i nakken hennes når hun ser opp. Og han sa: 'Aren ’; t savnet du et triks for ikke å bruke det store nærbildet?' Vi hadde prøvd litt på det med noen redigeringer. Og jeg sa: Vel, hvorfor prøver vi ikke å kjøre det hele? Og jeg kan ikke si deg det, neste gang vi fikk vist den, økte den emosjonelle effekten av sangen omtrent 200%. Det var alltid fantastisk, men det det låste opp neste gang vi fikk vist det var et følelsesnivå som var helt utenfor det vi hadde før.

Alle som setter seg ned for å se det bare en gang hører ikke fremgangen til redigeringen. Jeg tror alle antok at det bare var din tilnærming fra farten, at du bare skulle skyte to og en halv time på nært hold …

Ja, jeg tror de tror jeg gikk, &ok; OK, Anne, det er det ene kameraet, det er litt nærbilde, det er alt i ett skudd - handling! ”; Jeg la verken det presset på dem og antok heller ikke at sangene nødvendigvis ville holde slik.

Så det var heller ikke en funksjon av lyden?

Slik vi fikk lyden så bra var at vi hadde de vanlige miksene på utsiden av folkekostymer. Og mesteparten av tiden med de ledende skuespillerne hadde vi to, en mot høyre skulder og en mot venstre skulder, slik at uansett hvilken vei de snudde eller favoriserte de fremdeles ble hentet godt. Og så da filmen ble redigert, fjernet vi ting digitalt. Evnen til å ha mikrofonene i skudd og fjerne dem digitalt var hemmeligheten bak suksessen vår, og det som skiller oss fra hva folk gjorde i musikalenes storhetstid. På 60-tallet, til og med for ti år siden, ville det vært kostnadsforbudende, og nå er det egentlig ganske greit.

Og faktisk, hvis du ser på konstruksjonen av sanger, i Russells sanger, begge “; Stjerner ”; og “; Selvmord, ”; det er ganske mange kutt der vi setter ham i sammenheng med miljøet hans, der vi går bredt. Og grunnen til det er at det er hele dette temaet at han ubevisst krysset bygningskanten og at han flørter med kanten. Og det kunne vi bare få ved å sette ham i en kontekst. Og i selvmordet er det tydeligvis hele dråpen og vannet som ikke ville oversette i nærbilde hele tiden. Det jeg også vil si, er at jeg drømte en drøm i ”; Jeg antar at den andre tingen jeg lærte fra prosessen med å lage den, var å kutte bredt til henne i, hvor dramatisk det var visuelt, en nødlidende båt, en råtnende båt, ville ikke hjelpe deg med det hun synger om. Hun synger om en mann som forrådte henne, hun synger om slukking av håp - alt hun synger om er ikke rundt henne, det er alt i tankene i det siste. Og til slutt den beste guiden til den følelsen er ansiktet hennes.

Du la til en sang, ikke sant?

Ja det gjorde vi. Jeg tror ikke folk har noen anelse om hvor mye endring vi gjorde til musikalen. Det som skjedde er at når vi har forpliktet oss til å få det sunget gjennom, innser du at eventuelle endringer du trenger å gjøre, vil måtte gjøres gjennom bøkene og musikken. Så hver forandring jeg gjorde var i den musikalske formen, ved å skrive tekster. Men fordi jeg hadde det originale teamet, den opprinnelige lyrikeren og komponisten, er mange av endringene usynlige. Folk kommenterer ikke engang, de vet ikke engang at de er der. Det er en svak oppfatning av at vi bare tok librettoen og skjøt den, og at det er sant for ganske mye av det. Men det var mange inngrep vi gjorde da vi konverterte det til skjermen som rett og slett handlet om å gjøre historiefortellingen bedre.

Noen dreide seg ikke om tekster. Et virkelig godt eksempel på noe som slo meg igjen i går kveld, som var en forandring, var i det første slaget, Eddie Redmayne skynder seg å få en tønne krutt og så får den faklet for å sprenge hele saken, og en soldat trener pistolen hans på Marius. I musikalen har Eponine levert en melding til Marius, og hun kommer til barrikaden, hun allerede vært skutt, og det skjedde utenfor scenen, og hun ble tilfeldigvis skutt da hun gikk nedover gaten.

Wow. Det gjør det motiverende, det endrer hele lysbuen hennes. Og så blir hele sangen etter det utdypet.

Og det er en forandring som bokstavelig talt ingen engang har lagt merke til, når det gjelder å vite at det ikke var i showet. Men det endrer den fullstendig, og for meg er det store temaet i filmen hva vi vil ofre for kjærlighet, hva vi vil gjøre for kjærlighet. Du har Fantine, som er villig til å miste alt, kroppen, livet og prøve å redde barnet sitt. Du har Valjean, som forandrer alt for kjærlighet. Du har fått Eponine, som faktisk ofrer seg fysisk for kjærlighet. Det får det til å resonere med skjønnheten i hva folk vil gjøre i kjærlighetens navn.



Topp Artikler