De beste filmene fra 2016, ifølge IndieWire-kritiker Eric Kohn
Med urviseren fra venstre: “Paterson,” “The Academy of Muses,” “Moonlight,” “Swiss Army Man”
Hver desember bærer det gjentakelse: Den som synes dette var et dårlig år for filmer, har ganske enkelt ikke sett nok. I en tid med binge-visning, en overvekt av må-se premium-kabelshow og, helvete, til og med smarttelefonapper som gir langt mer oppmerksomhet de fleste prestasjonslengde prestasjoner, blir det sanne utvalget av kvalitetskino ofte tilslørt av støyen fra en noensinne -klynget medielandskap. For å virkelig vurdere tilstanden til moderne filmer, ser man utover det åpenbare. Jada, det var et svakt år for filmer som skiller seg ut hovedsakelig på grunn av stjernekraft og betydelige markedsføringsbudsjetter, men disse alternativene representerer bare en liten brøkdel av markedet.
Filmfestivalkretsen er et ideelt alternativ til konvensjonelle kanaler for å oppdage filmer som er verdt å snakke om hele året - og hvis de er heldige nok til å distribuere land, kvalifiserer de det til årsavslutningen på lister som denne. I år dukket hver eneste finalist på listen over årets beste opp på en stor festival og fant i de fleste tilfeller veien til teatre senere. Ingen av dem var trygge kommersielle spill; faktisk kan deres kumulative billettkontorfigurer male et kjedelig bilde av denne kunstformens kommersielle levedyktighet, men det bildet er bare ett lite stykke av et mye større puslespill. Filmer som utfordrer stevner, kaster folk bort og lar dem være usikre på hva de nettopp opplevde, er ofte de som mest fortjener å feire.
LES MER: New York Film kritikere Circle Names ‘ La La Land ’; Den beste filmen fra 2016, ‘ Moonlight ’; og ‘ Manchester By the Sea ’; Tjen tre priser
Listen min viser mange filmer som kjempet for å komme der ute, som ikke fungerer for alle, som provoserer sterke debatter - og likevel er jeg helt komfortabel med å anse dem som årets beste. Konsensus er kjedelig. Hvis noe her provoserer uenighet, styrker det bare vitaliteten til disse store verkene.
Hvis det er et tema som løper gjennom dem, er det angsten fra moderne tid. Samfunnet vårt blir stadig mer rystet av uventet utvikling - slik det er vist av Donald Trump, Brexit og Chicago Cubs - og mange av årets beste filmer taler til den urolige følelsen av en mystisk verden og overraskelsene det gir oss. Disse historiene involverer karakterer som er beskjeftiget i urolige omgivelser der grensene mellom virkelighet og skjønnlitteratur løses opp, noe som fører til usikre søken etter en unnvikende sannhet. Ikke alle finner det.
Løper-up 2016-listen 'The Eyes of My Mother', 'Nuts!', 'Manchester By the Sea' og 'The Hummer'
Følgende liste er rangert. Det krever noen få advarsler for å erkjenne noen løpere. For det første tar min kuratoriske tilnærming hensyn til faktorer som balanse og omfang. Det er mange førstegangsinnsatser som vil rangere høyt på listen min, hvis det ikke var andre, lignende titler som jeg bare setter mer pris på (dermed får “The Witch” skrekksporet over “The Eyes of My Mother,” og “Swiss Army Man” slår ut “The Hummer” i den finurlige, allegoriske morsomme avdelingen).
Selv om jeg har utvidet listen utover de vanlige 10 for å omfatte 16 titler, er det mange andre enn som ikke helt klippet. Disse inkluderer Coen-brødrenes herlige forfalskning av Hollywood-drømmefabrikken “Hail, Caesar!” Og Penny Lanes oppfinnsomme halvdokumentar om en beryktet slangeoljeselger i “Nuts!”, Som begge taler til ideer gjenspeilet i hele denne listen. 'Manchester By the Sea' er et fagmessig skriptet blikk på å leve med sorg, og 'The Lobster' (som dukket opp på en versjon av denne listen tidligere på året) utmerker seg med å utforske katarsis for å unnslippe et undertrykkende samfunn. Se dem alle.
Fremfor alt gjenspeiler denne listen et vilt sammensatt år med kulturopplevelser, da samfunnet ble snudd på hodet og filmene forventet like mye. De er et speil for verden vi lever i nå.
Lister er iboende begrensende, så du kan forvente å se mange av disse delene når vi sprer kjærligheten rundt. Andre stemmer fra IndieWire-teamet vil veie inn hele uken, og denne artikkelen vil bli oppdatert med lenker. Foreløpig er her denne kritikerens endelige vurdering av de beste filmene som ble utgitt i 2016. Argumenter er velkomne, men lesere som er raske med å dømme, oppfordres til å spore opp alle disse titlene først.
16. “Visse kvinner”
“Visse kvinner”
IFC-filmer
Kelly Reichardt fortsetter å vise sin mestring av amerikansk isolasjon med denne tilpasningen av Maile Meloy noveller. Hvert av filmens tre kapitler taler til en følelse av dislokasjon blant arbeiderklassens skikkelser i Montana. I et år der arbeiderklassens frustrasjoner nådde en feber tonehøyde, kan det ikke være mer aktuelt. Reichardts antologitilnærming er full av tvetydige konfrontasjoner: Med den kjedelige advokaten (Kristen Stewart) lærer voksenopplæringsklasser og den ensomme ranchhanden (Lily Gladstone) som faller for henne, konstruerer Reichardt sin beste tohåndsmann siden 'Old Joy, ”Mens et ektepar (Michelle Williams og James Le Gros) forsøk på å skaffe seg eldgammel sandstein fra en eldre mann, adresserer subtile generasjoner konflikter.
Men filmens virkelige kraft kommer fra bokhyllene, der en selvsikker juridisk rådgiver (Laura Dern på sitt beste) tar for seg en misfornøyd mann med blå krage som går post etter at selskapet hans lurte ham for å nøye seg med en arbeidsplassskade. Den voksende raseri fra en sint, hvit mann, og kampene fra Derns karakter for å trøste ham, gir 'Visse kvinner' en fantastisk grad av innsikt i det amerikanske samfunnets splittelse.
15. “Heksen”
Anya Taylor-Joy i “The Witch”
Fakturert som en New England Folktale, ”; skribent-regissør Robert Eggers ’; oppnådd funksjonslang debut debuterer en vanskelig balanse: På den ene siden, et elegant periodeverk om oppløsningen av en New England-familie rundt 1630, er det også en genuint foruroligende skrekkfilm om besittelse. Nesten utelukkende plassert på en trasig hytte og de illevarslende skogen som omgir den, mangler ikke filmens minimalistiske tilnærming for autentisitet, ettersom Eggers er avhengige av rettsregister og andre dokumenter for å skrive dialogen sammen med kostymer fra den aktuelle perioden. Effekten er en spøkende fortelling om andre verdskrefter som er spesielt skummel på grunn av realismen rundt dem.
Sammen med Nicolas Pesces forbløffende debut “The Eyes of My Mother”, er det nøyaktig hva skrekksjangeren trenger akkurat nå - en sjanger-sprengende storm av friskt blod og original historiefortelling.
14. “Toni Erdmann”
“Toni Erdmann”
På papiret har forfatter-regissør Maren Ade ’; s “; Toni Erdmann ”; har en enkel forutsetning: Etter hans hundes død, dukker den ensomme aleneforelderen Winfried (Peter Simonischek) opp i storbyen for å forsøke å vinne tilbake kjærlighetene til sin fremmedgjorte voksne datter Ines (en forbløffende Sandra Hüller), iført forkledninger, så han kan følge henne rundt i byen uten at vennene og kollegene har funnet ut av det.
Tiltrukket av to timer og 42 minutter, derimot, var den tyske filmskaperens etterlengtede oppfølging til 2009 ’; s “; Alle andre ”; blir noe mye mer subtil og oppfattende enn det rudimentære oppsettet antyder. Ade ’; s episke to-hander om familiedynamikk har lønnsomhet i sin ambisjon. Både en rørende beretning om far-datter-fremmedgjørelse og en tåpelig bedrifts-satire, 'Toni Erdmann', bryter med store problemer gjennom et overraskende intimt objektiv, i en urolig balanse som gjenspeiler karakterenes ustabile liv.
Til å begynne med var jeg ikke helt overbevist om at det rettferdiggjorde heftet, men 'Toni Erdmann' har holdt meg fast i månedene siden jeg første gang så den på Cannes, hvor den lagdelte fortellingen gradvis avslørte masterstrokes i ettertid. Det er preget av en ekte filmisk prestasjon.
13. “Onkel Kent 2”
“Onkel Kent 2”
Fabrikk 25
'Kul, kino er død', lyder taglinjen for 'Onkel Kent 2', og siterer en tweet-reaksjon på filmens eksistens. Men det strålende kuppet til Todd Rohls metorromp gjennom sinnet til 'Uncle Kent' -stjernen og 'Adventure Time' -animatøren Kent Osborne er at filmens bisarre vendinger resulterer i den mest film inspirerte oppfølgeren i tidevis.
I et uhyggelig åpningskapittel regissert av Joe Swanberg, prøver Osborne å sette opp en oppfølger til Swanbergs lite sett portrett av den klønete fortysomething ungkar; når Swanberg ber Osborne om å bare lage oppfølgeren selv, blir den påfølgende sprø odysseen nettopp det. Rohal, selv en under-verdsatt surrealistisk filmskaper (“The Guatemalan Handshake”), leverer en strålende falsk narsissistisk amerikansk indie-trope som bare blir sprøere når den beveger seg. Hvis Charlie Kaufman legger konseptet bak 'mumblecore' i hans siktelinjer, kan resultatet se noe slik ut. Men hvis 'Uncle Kent 2' er en lerke, er den en fullstendig tilfredsstillende en, og leverer en skikkelig tiltale av selvagrupperende kreativitet ved å grave i ytterpunktene og blåse dem i stykker.
12. “Passer”
“Passer”
oscilloskop
Anna Rose Holmer sin første funksjon er et surrealistisk portrett av en usannsynlig ung heltinne. Elleve år gamle Toni (breakout-stjernen Royalty Hightower) håper å være danser mens hun kommer seg gjennom boksetrening på sitt ungdomssenter i Cincinnati. Som en krampaktig sykdom begynner å påvirke flere av hennes meddansere, “; The Fits ”; forvandles gradvis til et 'Twin Peaks' -liknende blikk på felles fremmedgjøring, men det er også en smart skildring av et insulært samfunn sett gjennom linsen til barndommens undring.
Hightower ’; s forbløffende subtile forestillinger passer perfekt sammen med filmens rytmiske portrett av mysterier og fremmedgjøring i ungdomstiden. Holmers evne til å forbli i hennes unge hovedpersons perspektiv av verden innbiller “The Fits” med en avvæpnende enkelhet som ’; s nesten skurrende gripende når den bygger til en surrealistisk finale.
11. “The Academy of Muses”
“Muses Akademi”
Endelig utgitt i noen få teatre et år etter festivalkjøringen, er den katalanske filmskaperen Jose Luis Guerins portrett av romantisk drama gjennom en vitenskapelig linse en av de mest uortodokse publikum noensinne. Selv om han ikke har hatt en film utgitt i USA siden 2007 ’; 'In the City of Sylvia,' har Guerin fortsatt å lage oppfinnsomme filmeksperimenter som blander dokumentariske og fiktive komponenter med tappende uforutsigbare resultater. “Muses Academy” er hovedtrekkene i denne unike tilnærmingen; det er også morsomt og rørende i like tiltak.
Først fokuserer Guerin på de splittende forelesningene til en litteraturprosessor ved Universitetet i Barcelona som foreslår at kvinner skal falle i tråd med den klassiske definisjonen av 'muse' og bruke sine forførende krefter for å inspirere til poesi. Mens den tunge diskursen oppsluker sine egne premisser, blir dette utgangspunktet den første handlingen av et sensasjonelt drama der student-lærer-forholdet utvikler seg til et etisk tvilsomt territorium: professoren sover ikke bare med studentene sine, men forsøker også å rasjonalisere beslutningen når han blir møtt av sin tullete kone.
Sjokkerende, dyptgripende, morsom og trist, 'The Muses Academy' er en førsteklasses illustrasjon av dype tanker oversatt til en spennende fortelling. Til tross for det tunge konseptet, kan det være det nærmeste vi kommer til et crossover-verk fra den stadig innovative Guerin.
10. 'Neruda'
'Neruda'
The Orchard and Participant Media
Den chilenske regissøren Pablo Larrains portrett av landets legendariske dikter, senator og ekspert raconteur Pablo Neruda er en betagende skildring av nasjonal identitet og litterær intelligens. Luis Gnecco leverer en levende (og svært nøyaktig) forestilling som det selvbetegnede midtpunktet i “; Neruda, ”; som følger sædfiguren fra hans bohemske festdager gjennom hans flukt fra chilenske myndigheter sint av hans kommunistiske tilbøyeligheter.
Men den virkelige stjernen til “; Neruda ”; er en utspekulert politietterforsker Oscar Bustamante Peluchonneau (Gael Garcia Bernal, en utmerket tegneseriefolie) som har til oppgave å skreddersy poeten. Mens han fortsetter å jage Neruda, innser Peluchonneau at han er fanget i Nerudas egen egenproduserte myte. “; Jeg er ikke en støttende karakter, ”; sier han, men til slutt stammer valideringen hans fra at Neruda erkjenner at historien deres sammen betyr noe. Sammen med Larrains 'Jackie', utgitt i USA, bare en uke foran 'Neruda', bekrefter filmen denne geniale filmskaperen sin evne til å avhøre historien i påfallende originale termer. Larraín hilser en av sitt lands største historiefortellere ved å matche talentene hans.
9. “American Honey”
“Amerikansk kjæreste”
Selv om Shia LaBeouf ikke beskrev hengslene og slappene sine som 'Donald Trump-ish', ville Andrea Arnolds ekspresjonistiske biltur resonere med en aktuell visjon. Fra 'Red Road' til 'Fish Tank' har Arnold konsekvent levert overbevisende portretter av frustrerte unge kvinner, men hennes ambisjon når sine største høyder med denne spredte skildringen av en tenåringsløp (Sasha Lane, en av årets beste oppdagelser) som blir med en gruppe hedonistiske unge magasinselgere ledet av den utspekulerte LaBeouf.
Noen kritikere har spottet filmens svingete tempo og poptunge lydspor som mer holdningsfullt enn ekte narrativ finesse, men som ignorerer den rene kunstneriske utformingen. Arnold leverer et skarpt blikk på fremmedgjort ungdom som plyndrer Midtvesten uten noe presist mål bortsett fra å holde sin hensynsløse livsstil flytende. Det er en sint generasjonserklæring og en desperat oppfordring om hjelp.
8. “Swiss Army Man”
“Swiss Army Man”
A24
'Trodde jeg ble reddet,' synger Paul Dano til Daniel Radcliffes lik, 'men du er bare en død fyr, og jeg er helt alene.' En surrealistisk kompisfilm som er energisk av noen få innovative bruksformer av flatulens, 'Swiss Army Man ”Er musikkvideo-duoen Daniels 'vakkert rare blanding av slapstick og musikalitet rik på ideer: fangstene av politisk korrekthet, isolerende effekter av lav selvtillit, den homoerotiske karakteren av mannlig binding og mye mer.
Dano er fanget på en øde øy når han kommer over en død kropp som gir ham håp, og Danos karakter skildrer originale bruksområder for kroppen når den sakte kommer til live. Radcliffe leverer en vågal forestilling som er både foruroligende og absurd, omtrent som de fleste av denne helt engasjerende filmen som til tider føles som om den materialiseres fra en annen dimensjon av Daniels 'egenproduksjon. Det imaginære landet er verdig flere besøk, så her håper de vil holde det oppe.
7. “Paterson”
“Paterson”
Små utvekslinger og lange pauser er kjennetegn ved Jim Jarmusch-filmer, men få har den dype blandingen av varme og melankoli som finnes i 'Paterson.' Båret av en passende lavmælt Adam Driver og Jarmuschs forkjærlighet for å fange offhand-kommentarer, 'Paterson' er hans mest absorberende karakterstudie siden 'Broken Flowers', men den har en stille raffinement som løfter den til et annet nivå. Den lette historien om en bussjåfør som månelyser som en dikter forsterker de daglige rytmene i sin inneslutte verden og forvandler dem til kunsten han ønsker å skape. Ved å bli sjarmerende, melankolsk og klok, perfeksjonerer “Paterson” arketypen til målløs hipster som vandrer gjennom Jarmusch sitt arbeid ved å validere sine sjelesøkende måter.
6. “Cameraperson”
“Camera”
Kirsten Johnson åpner 'Cameraperson' med en merknad som beskriver prosjektet som 'memoarene mine', men det er trygt å si at det aldri har vært et memoar som dette. Cobbling sammen opptak fra sine 25 års erfaring som dokumentarfilmfotograf, “Cameraperson” tilbyr en fri oversikt over menneskene og stedene Johnson har fanget i løpet av en mangfoldig karriere. Mer enn det, de to dusin prosjektene som vises her sammen med originale opptak konfronterer prosessen med å skape. Dette er en collage-lignende guide til et liv i å se på.
Johnson's studiepoeng spenner fra risikable eksponeringer som 'Be the Devil Back to Hell' og 'Citizenfour' til lettere priser som i fjor New Yorker tegneserieportrett 'Very Semi Serious', som alle flater i denne tette, globale undersøkelsen. Men det forskjellige motivet brister rundt hennes underforståtte tilstedeværelse på alle scener. Den sovjetiske filmteoretikeren Dziga Vertov ville sikkert godkjenne Johnson's tilnærming - en alternativ tittel kan være 'Woman With a Movie Camera' - siden det gjør ideen om kameraet til et fartøy for å studere verden. Selv om mye av materialet i “Cameraperson” er gammelt, har Johnson unektelig skapt noe forfriskende og nytt.
5. “Creative Control”
“Kreativ kontroll”
Med sin skarpe svart-hvitt fotografering og snazzy effekter, Benjamin Dickinson ’; s fascinerende science fiction thriller “; Creative Control ”; ser for seg smart et teknologidominert samfunn som ’; r rett rundt hjørnet. Men detaljene om plottet, der den Brooklyn-baserte utvikleren av nye augmented reality-briller mister kontakten med verden rundt ham, imponerer målet for kritikken med en skarp samtidskant. Uansett hvilket nyskapende teknologi det er, argumenterer filmen, alle smarte nye verktøy er underlagt menneskelige problemer. Det er på en gang verdensomspennende og kjent - en futuristisk satire som svir av umiddelbar relevans.
4. “Alle ønsker noen !!”
“Alle ønsker noen !!”
Richard Linklater-filmer er fylt med energiske observasjoner i små doser. Tette filosofiske ramblinger omgir det spydigste av tomter; en tilfeldig luft møter eksistensialismen. Mens de ble diskutert i evigheter som en & spirituell oppfølger ”; til hans sytti-årige high school klassiker “; Dazed and Confused ”; - og satt noen år senere - baseballkomedien på college “; Everybody Wants Some !! ”; inneholder mange av de beste ingrediensene som er funnet gjennom hele Linklater karriere: En bekymringsløs holdning om livet sammen med snikere observasjoner om de dypere mysterier.
Som med hans feiende “; Før ”; trilogien og den ambisiøse 12-årige produksjonssyklusen til “; Boyhood, ”; den nye filmen leker også lurt med tiden. Å klemme tre dager med harde fester på litt under to timer, “; Alle vil ha noe! ”; utspiller seg de siste dagene av sommeren på et lite Texas college, der ansvarsoppgavene til voksenlivet lurer rett utenfor rammen. Like sjarmerende og klok, “; Alle ønsker seg noen! ”; fremhever Linklater sin unike evne til å forstørre menneskelig oppførsel med levity. Det er ingenting som er prangende med denne filmen, men det er glansen av den. Livet sniker seg på deg, og det samme gjør Richard Linklater-filmer.
3. “Weiner”
Anthony Weiner og Huma Abedin i “Weiner”
Sundance velger
Det startet som en tragisk farse; som 2016 gikk, 'Weiner' ble en alarmerende titt i verden av buffoon som kan ha kostet oss vårt demokrati. Under sin katastrofale mayorkampanje i New York ble Weiner en åpenbar vits av åpenbare grunner. Men publikum kunne ikke se det rene kaoset i Weiner-kampanjen da politikeren møtte en av de største offentlige ydmykelsene i nyere historie. “; Weiner, og rdquo; som vant den store juryprisen på dette årets Sundance Film Festival, trekker tilbake sløret for å avsløre en av de store farene i moderne kampanjehistorie (i det minste før den nåværende presidentperioden).
Medregissert av tidligere Weiner-stabssjef Josh Kriegman med Elyse Steinberg, fanger filmen Weiner og hans beleirede kone, Hillary Clinton-rådgiver Huma Abedin, gjennom en serie med skummel-induserende omstendigheter når media kontinuerlig gir anledning til familiens vanskeligheter. Weiner skilsmisse fra Abedin gjennom sommeren midt i Clintons kampanje forsterket bare filmens scener av paret; senere, da FBI-direktør James Comey avslørte at han så på utveksling av Weiner med en tenåring, ble dokumentarens relevans enda mer utdypet.
Ved å avgjøre alt det til side, prøver Weiner å forsøke å presse seg mot umulige odds i et spektakulært underholdende blikk på pratfallene til moderne kjendis og hubrisen som er involvert i å jage makten på den politiske arenaen. På den ene siden er “; Weiner ”; er førsteklasses kino verite, og fanger motivets konstante ydmykelse og absurde investeringer i sin kampanje mot umulige odds med slående detaljer, selv om kaoset rundt hans undergang indikerer medias besettelse over skandalen hans også. Samtidig er det en voldsom redaksjonell tegneserie om den iboende galskapen til et system rigget for selvdestruksjon. Og nå, når Weiner blekner for glemmeboken, må vi leve i rotet hans.
2. 'Jackie'
“Jackie”
Pablo Larraíns portrett av Jackie Kennedys forsøk på å bryte kontrollen over kaos etter mannens mord er like deler psykologisk thriller og historisk etterforskning. Forankret av Natalie Portman i en karriere-beste tur, gjennomtrenger filmens atmosfæriske konstruksjon naturen til det offentlige liv og politiske machinations.
Noah Oppenheims manus rammer de stramme dagene der Jackie planlegger sin manns begravelse og Larraíns kamera forblir nært temaet sitt, og tvinger seerne til å sveve i hennes kompliserte tankesett. Uansett hvor mye hun prøver å beskytte sorgen, svermer verden seg inn. “; Det er ikke historie hvis det ikke er skrevet ned, ”; forteller hun en reporter som mister henne på hver sving. Denne påstanden er det største målet for Larraín kino: Hva er vårt forhold til fortiden - og hvordan endrer vi det for å møte forventningene våre i dag? Ettersom fakta og fiksjon blander seg med konspirasjonsteoriene på oppslagstavlen og de reduktive sosiale mediene som definerer informasjonsalderen vår, kunne ikke Larraín-filmer komme til et bedre øyeblikk. 'Jackie' befester appellen sin.
1. “Måneskinn”
“Moonlight”
Med tillatelse av Color Collective og A24
Barry Jenkins 'for lengst forfulgte oppfølging av “Medicine for Melancholy” er en dyp tragedie som fortalt i forbipasserende blikk. Filmens behandling av Tarrell Alvin McCraney er rik på stemningsfulle bilder og ømt utveksling og leker i måneskinnet Black Boys Look Blue ”; er et vakkert drama som klarer å være både episk og undervurdert.
“; Moonlight ”; utforsker situasjonen til en ung svart mann på tvers av tre tidsepoker, og søker etter sin plass i verden mens han sliter med sin homofile identitet under byrder av klasse og en ødelagt familie. Historiens makt kommer fra hullene mellom ord - og en pågående kamp for å finne de riktige. Det er en forbløffende stemning om arten av å bli marginalisert på mange nivåer samtidig.
Historien om unge Chiron når han vokser opp og savner muligheten til å finne et tilfredsstillende liv, blir mer desperat når det beveger seg, til slutt gutten blir en mann og forsøker et siste skudd på å gjøre ting riktig. Til tross for den dystre tonen, er det et fyrtårn for håp for utsiktene til å snakke opp - og stenger året ved å betegne det ustabile humøret. Uansett hvor spesifikk det er, reflekterer tonen “Måneskinn” en blanding av fortvilelse og lengsel som definerer problemene våre.
Hold deg oppdatert på de siste siste film- og TV-nyhetene! Registrer deg for e-post nyhetsbrev her.
