5 filmer om F * cked Up mor / datter forhold
Bli beordret av moren din til å 'gå til skapet ditt og be ”; er forhåpentligvis ikke en foreldreteknikk som for mange av oss har hatt førstehåndserfaring. Men så er det, forhåpentligvis også, at nok av oss er overnaturlig tilbøyelige telekinetiske tenåringsofre for sosial eksklusjon og mobbing heller. Denne uken “;Carrie”; er løslatt, nyinnspilling av Brian de Palma steinkald klassiker, eller omarbeidingen av Stephen king’; s veldig populære bestselger, men du velger å se på det. Og faktisk, uansett hvor du først kom til det, er det en historie som sannsynligvis er kjent for deg og dens griseblod-på-prom-scene gir noe av det mest ikoniske skrekkbildet i populærkulturen.
Men underliggende historien om Carrie Whites plutselige, destruktive bruk av kreftene hennes er noe mye mindre uhyggelig og uforklarlig, men ikke mindre skremmende - hennes totalt knullede forhold til moren, spilt i 1976 av Piper Laurie og i den nye versjonen av Julianne Moore. Dårlige mødre har dannet fokuset for to av våre tidligere funksjoner, (her og her), og mens det naturlig nok er noe overgang, har vi denne gangen valgt å fremheve filmer som spesifikt omhandler mødre og døtre og de merkelig varme husene , forstørrede og noen ganger forvrengte forhold som kan dukke opp mellom dem. Det er fascinerende, fruktbart territorium, og det er et stort volum av skjønnlitteratur dedikert til å navigere i det, men her er fem spesielt apropos-filmer for alle som noen gang har vært en datter, eller alle som noen gang har hatt en mor.
“;Høstsonnate”; (1978)
Det er vanskelig å spore akkurat det øyeblikket Ingmar Bergman‘S“Høstsonnate”Begynner å knuse hjertet ditt (vi vil foreslå at det er omtrent 5 minutter om, eller like etter at åpningskredittene har forsvunnet), men når den først begynner, stopper den aldri og vil forlate deg i smedere i nærheten. Den fullstendig skiftende, ødeleggende sannhetshistorien om en enkelt dag og natt der Charlotte (Ingrid Bergman) en kjent konsertpianist, kommer for å bo hos datteren Eva (Liv Ullman) tar filmen et ossifisert mor / datter-forhold, og med noen få kjappe kutt av Bergman & ss skalpell-skarp dialog legger den smertefullt ut i all sin skyld, omsorgssvikt, egoisme og undertrykkelse. Charlotte har ikke sett datteren Eva i syv år, i løpet av hvilken tid Eva har giftet seg stille, hengivne minister Viktor, og led døden av sin lille gutt, som Charlotte, det ser ut til, aldri har møtt. Vi får inntrykk av at Eva i løpet av denne tiden ofte har skrevet til moren, men Charlotte har ofte unnlatt å lese bokstavene fullt ut, fanget opp i et mer glamorøst liv med verdensreise, karrieresuksess og kjærlighetsforhold. Etter dødsfallet til sin mangeårige følgesvenn kommer Charlotte endelig på besøk, bare for å oppdage, til sin uhemlige redsel, at Helena, hennes andre datter, krøllete og nesten ikke kan snakke på grunn av en degenerativ sykdom, bor sammen med Eva, som tok henne fra hjemmet hvor Charlotte hadde plassert henne.
Bergman benytter seg av visse narrative triks, som å la Viktor adressere kameraet direkte, ha Charlotte til å snakke med seg selv og krysse seg, i et spesielt ondskapsfullt øyeblikk, mellom Eva ’; s visning av moren, og Helena kaster seg voldsomt fra sengen sin og kryper over gulvet i klar, vokal nød: hvordan kan kvinnene, spesielt den omsorgsfulle, imøtekommende Eva, ikke høre henne? Men effekten av disse øyeblikkene er aldri vanskelig, i stedet gir de dybde og rikdom av hentydning til, og noen ganger til og med en merkelig lettelse fra, intensiteten av den emosjonelle dragkampen mellom kvinnene. Begge kan være uhyrlige, men heller ikke noe monster, og hastigheten med hvilken sympati vår svinger fra hverandre til noen til tider truer whiplash, med nesten hvert øyeblikk av nåde og forløsning som umiddelbart blir underkastet av et blikk, eller en tilfeldig, kastet av kommenter så ren ondskap at det får deg til å vinne, og omvendt. Med Bergman etter sigende sa jeg i 1995 ‘ ‘ Jeg var veldig forelsket i moren min. Hun var en veldig varm og veldig kald kvinne. Da hun var varm, prøvde jeg å komme nær henne. Men hun kan være veldig kald og avvisende, ’; ’; det er tydelig den personlige resonansen som denne historien har for ham. Og likevel er det som er mest oppsiktsvekkende med denne mest oppsiktsvekkende av filmene den jevnhendte forståelsen (om ikke nødvendigvis sympati) som vi kommer bort fra for både tegn, mot slutten. Disse pinskarpe, nøyaktige portrettene av Charlotte og Eva som fullstendig avrundede, selvmotsigende individer som er uløselig i hverandres bane, er det som får filmen til å føle seg så evig: de er forskjellige på alle måter fra hverandre, men forent av bundet historie og noen få gjenstridige DNA. Det har vi ikke alltid som familien vi er dømt til å elske, og “; Høstsonaten ”; legemliggjør den sannheten med feilfri, diamantklarhet.
“;Imitasjon av livet”; (1959)
Ikke nok lommetørklær i universet til denne—Douglas Circus’; s utrolig manipulerende og saftige “; utgaver film ”; er et ekstraordinært eksempel på en film som så fullstendig definerer sin sjanger (“; kvinners bilde ”;) at den praktisk talt overskrider den. Selvfølgelig har Sirk blitt tilbaketrukket grundig og med rette de siste årene som en absolutt mester i formen, (våre Sirk Essentials kan bli funnet her) som imponerer sirupaktig melodrama med ærlig dybdesfølelse, og klær det hele i så blendende, dyktige teknikkfarger som filmene hans blir så mye mer enn maudlin, sjokoladekassekonfekt de opprinnelig ble avskjediget som. Og “;Imitasjon av livet,”; regissørens siste Hollywood-bilde, er absolutt et av mesterverkene hans, og passer helt til våre formål her, og tar ikke for seg bare ett, men to mor / datter-forhold som sentrale temaer, men bruker dem til å fremheve kjønn og rase spørsmål i et bemerkelsesverdig uredd og , absolutt den gang, provoserende måte.
Sliter skuespillerinne Lora Meredith (Lana Turner) møter hjemløs, penniløs Annie Johnson (Juanita Moore) på stranden en dag da døtrene deres, Susie og Sarah Jane stikker av for å leke sammen. Selv om tidene er tøffe hele tiden, sprer det et øyeblikkelig bånd mellom kvinnene, på tvers av rasegrenser (faktisk er en alternativ lesning på filmen nesten som en kjærlighetshistorie mellom disse to), og Lora tilbyr mor og datter et sted å bo for natten. Det er en ordning som blir langsiktig, med Annie som til slutt (frivillig) bosetter seg i en slags husholderske-rolle, mens Lora fortsetter sin karriere. Sirk skiftet imidlertid fokuset fra 1934 Claudette Colbert-stjerner film med samme navn, mer på døtrene, og så blir vi kjent med Susie, den søte, blonde datteren til Lora som er den viktigste gripen med moren, er den godartede forsømmelsen hun lider etter hvert som den ambisiøse Lora blir mer etterspurt. Og Sarah Jane, en komplisert, ofte harselende ung jente som har lys hud som lar henne passere etter hvitt (som hun desperat identifiserer seg med), men bare på bekostning av å avvise og avvise sin dypt kjærlige mor Annie. Filialforholdene blir mer sentrale etter hvert som filmen fortsetter, og andre halvdel er i stor grad viet mors problemer: Susie blir uunngåelig forelsket i morens kjæreste (den ekstremt kjekke John Gavin) mens Sarah Jane blir villere og til slutt løper bort for å være en burlesk danser, og skifter navn og nekter alle bånd til sin hjertebroke, hellige mor.
Helliggjørelsen av Annie som filmens sentrale svarte karakter er selvfølgelig problematisk, men hatefullheten til Sarah Jane ’; s behandling av henne, som selvfølgelig gjenspeiler hennes eget selvhat og samfunnsmessige skam over hennes svarte arv, er en utrolig tungtveiende emne å håndtere så åpenlyst. Men Sirk stopper ikke der, og strikker også i en kant av klassekommentarer og en sympatisk skildring av Lora ’; s uavhengighet og ambisjoner (som hun sikkert ville blitt straffet for i en annen film). Det er en mystisk, innflytelsesrik og overdådig utlagt buffé (Turners kostymerbudsjett, for eksempel var det høyeste noensinne for et bilde til den datoen) toppet av et ekstraordinært Mahalia Jackson evangeliets fremføring som du garanterer at du vil se gjennom tårer.
“;Tretten”; (2003)
Mens vi absolutt ikke er i takt med den nesten universelle ros og anerkjennelse som ble høstet over Catherine Hardwicke’; s regjeringsdebut, nekter det ikke for at det er en film som innerst inne handler om et rotete mor / datter-forhold. Kronikerer den raske utviklingen av den sentrale karakteren, det uutholdelig selvengasjerte 13 år gamle Tracy fra glad, sunn tween til Whip-It-huffing, promiskuøs, selvskadende vilt barn, filmens ubestridelige troskap til gyldigheten av hennes synspunkt er, for våre penger, den viktigste mangelen: Hardwicke spiller den ut med all musikkvideo-grunn og svak histrionikk som en selvutbydende tenåring faktisk kan vise, noe som uten tvil er en del av poenget, men det gjør gir en film som vi, som sin sentrale hovedperson, bare bruker hele løpetiden på å ville smelle. Imidlertid har den en interessant fasit i forholdet mellom Tracy (Evan Rachel Wood) og moren Melanie (Holly Hunter), og måten Tracy 's turbulente kommende alder faktisk markerer det figurative alder for moren også. Den viktigste nøkkelen her er karakteriseringen av Melanie: en ung mor og en økonomisk usikker som utvinner alkoholiker med bohemsk tilbøyelighet som har et forhold til Tracy som virker mer som et vennskap enn mor og datter. Og slik at noen av Melanie sin første passivitet i møte med Tracy endrede atferd kan bli kritt til denne frihetens tendens, men det som faktisk skjer er at lysbryteren i Tracy vil avsløre Melanie for å være mindre ungdommelig enn umoden og skremmende dårlig utstyrt for å dempe datterens plutselige utskeielser.
Tracy er en flink jente, i cusp av “; den vanskelige perioden ”; som plutselig legger merke til den forskjellige (dvs. mer provoserende) måten de populære jentene på skolen kler og snakker og handler på. Å tvinge moren til å kjøpe noen trange jeans og en & søt & søt ”; skjorte, forfølger Tracy et vennskap med dronningbien Evie Zamora (Nikki Reed, kreditert som medforfatter her, på hvis erfaringer filmen er angivelig løst basert) som ser Tracy forvandle til en sigarettrøykende, pungstjelende, scowling dårlig jente og utover. En syklus med en-upmanship av stoff og sex begynner mellom Tracy og Evie, på den særegne konkurransedyktige måten tenårings beste venner, akkurat som Melanie gjenoppretter et romantisk forhold til en eks-junkie (Jeremy Sisto). Etter hvert begynner den ustabile naturen i forholdet mellom jentene å fortelle om dem begge, og Tracy eskalerende kriminalitet, sviktende karakterer og selvdestruktiv tendenser tvinger en katartisk, men følelsesmessig ødeleggende konfrontasjon med Melanie. Hvis vi lar problemene våre med filmen til side (og de er utallige, i tilfelle du ikke har lagt merke til det), kan det i det minste anerkjennes for å prøve å fremstille den ofte traumatiske perioden i et jentes liv når hun skifter utstyr fra barndommen til voksen alder, og når hun paradoksalt nok kan begynne å avvise moren på akkurat det punktet hun trenger henne mest. “; Tretten ”; gjør en anstendig jobb med å bo tankene til en urolig tenåringsjente, men hvorvidt det er et sted du vil tilbringe tid, er et annet spørsmål.
“;Mamma Kjære”; (1981)
Forbløffede, til og med krenkende mor-datter-forhold er ikke helt nye i Hollywood, slik det er vist av denne listen og flere mange andre filmeksempler (her har vi fem fryktelige filmmødre vi har dekket i fortiden og ytterligere fem å starte), men en av den mest minneverdige og grensen Grand Guignol er “;Mamma Kjære, ' Frank Perry'S drama fra 1981 om skuespiller Joan Crawford og datteren Christina (selv om det til slutt ikke er så vellykket). Basert på Christina Crawford ’; s skandaløse selvbiografi fra 1978 med samme navn - en av de mer beryktede Hollywood-tellene som bringer mye saftig skitt - stjernene Faye Dunaway som Crawford og Mara Hobel og Diana Scarwid som henholdsvis yngre og eldre versjoner av Christina. Adoptert av Crawford i ung alder, hevder filmen (som eksponering) at diva-filmstjernen var en skamløst publisitetshungrig, dominerende, hyperkontrollerende og fysisk voldelig mor som tok inn barnet for egoistiske saker om ensomhet (og antyder kanskje hun gjorde det for å få press også). Den beryktede “; trådhengeren ”; scene - der Joan slår datteren sin for å ha modet å henge dyre klær på billige trådhengere - er både virkelig forstyrrende og komisk (selv om det tydeligvis ikke er ment å være morsomt). Det er mye histrionics - “; Don ’; t faen med meg, fellas! ”; å være en ganske latterlig linje for tidens aldre - og det fungerer ikke alltid, men Dunaway spiller en overbevisende og ganske usikker og urolig filmstjerne hvis forfengelighet og behov for oppmerksomhet er et giftig biprodukt fra industrien hennes.
Den unge Crawford (og broren Christopher) ble berømt utelatt fra Joan 'vilje 'av grunner som er godt kjent for dem, ”; og det ble spekulert i flere bransjevilkår, denne handlingen om foreldrenes avvisning fra graven var det som inspirerte Christinas bok og ikke faktisk misbruk. Men selv 30 år senere hevder den overlevende Crawford at det hele er sant. “; Jeg kan ikke fortelle deg hvor mange ganger jeg har blitt fortalt personlig og med bokstaver at det å lese boken fikk folk til å innse for første gang at de ikke var alene, ”; sa hun i et 2013-intervju.
Kanskje det kommer til kort fra den makabre skrekkmelodramaen som Robert Aldrich perfeksjonert med den vakkert vridde toferen av “;Hva har skjedd med Baby Jane?”; (1962) og “;Hush, Hush, Sweet Charlotte”; (Perry er bare ikke en forfatter av den rangeringen dessverre, selv om han ble nominert til beste regissør i 1962 for den allerede glemte “;David Og Lisa”;), den kommer nær takket være Dunaway ’; s operatiske go-for-braks ytelse. Kanskje fordi det var ment å være et drama, går det ikke for Aldrichs grotesquerie av aldrende stjerner som vi elsker så mye, men vi ønsker virkelig DP Paul Lohmann ville faktisk tent på bildet med enda en svak grå kant i stedet for nesten TV-flatness. Og der kanskje den fatale feilen til “; Mommie Dearest, ”; den er melodramatisk, skinnende og over-the-top, men den har ingen reell teft for leir eller sans for tull humor. Det tar seg selv dødelig på alvor (noe som ofte gjør det utilsiktet morsomt) og bare er ikke veldig kunstnerisk. Kritikere panorerte den den gangen (Roger Ebert sa i sin anmeldelse, 'Jeg kan ikke forestille meg hvem som ønsker å utsette seg for denne filmen') og “; Mommie Dearest ”; har blitt en kultklassiker, men bortsett fra “; Tretten ”; det er lett den svakeste filmen på denne listen (morsomt nok overordnet byttet tannhjul i markedsføringen og omfavnet ironi da de oppdaget publikum som tok til de utilsiktede morsomme øyeblikkene). Fortsatt er det herligheter i forestillingen bare for den rene scene-tyggingen og så langt som deilige skildringer av uhyrlige, men sårbare mødre, kan du gjøre et helvete mye verre enn Dunaway som Joan Crawford. Christina sitt eget endelige ord? “; Det er ikke en veldig god film. ”;
“;Postkort fra kanten”; (1990)
Mike Nichols’; tilpasning av Carrie Fisher’; s manus (basert på boka hennes med samme navn, som igjen ble løst inspirert av hennes eget liv med sin berømte mor, Debbie Reynolds) er en film som føles som om den har falt noe av moten, men er sannsynligvis moden for gjenoppdagelse. Regissert med typisk komisk nyanse og sympati fra Nichols, er det også et sterkt utstillingsvindu for sine utøvere, selvfølgelig med Meryl Streep å oppnå en Oscar-nominasjon, men Shirley MacLaine kanskje til og med å stjele showet, i det minste i henhold til vår nylige rewatch. De spiller datter og mor Suzanne Vale og Doris Mann, begge skuespillerinner, med Vale (Streep) som bare virkelig treffer hennes karriere, mens Mann er en bona fide old-school-stjerne, med all tilhørende publisitet, rikdom og hyllest drag-handlinger som følger med det. Det motstridende forholdet til forholdet deres blir forsterket av at de begge er av samme yrke, og at det yrket er et som i seg selv fremmer en uvanlig høy grad av drama og volatilitet hos utøverne (du kan ikke forestille deg den samme motstridende strømmer av sjalusi, forfengelighet og alderdom som strømmer gjennom, for eksempel, en film om mor og datter tannpleiere). Men filmen er også oppsiktsvekkende for den virkelige varmen som finnes mellom kvinnene, selv om forholdet deres er brukket og kan være sprekkelig: Suzanne glede seg over morens showboatingprestasjon på den upasked-for-rehabiliteringsfesten Doris kaster henne er like ekte som sin eldgamle sinne over hvordan Doris løftet skjørtet sitt for å blinke de fremmøtte på Suzanne 17-årsdag (“; IT TWIRLED UP! ”; knarrer moren). Og til syvende og sist er det en håpefull film, der innleggelser i sykehusrom kan føre til tilnærming og tilgivelse og hver enkelt kan lære, til tross for sammenfiltrede historier for å sette pris på den andre for de fantastiske rotene de begge er.
Filmen begynner mens Suzanne fløter et ord (å si, sier hun “; Mamma ”; i stedet for “; penger ”;) i løpet av en lang tid å ta bilder av en film hun ’; s jobber med for regissør Lowell Kolcheck (Gene Hackman), hvoretter Kolchek oppdager at hun bruker medisiner. Senere overdosering under et døgnopphold med Jack Faulkner (Dennis Quaid), Suzanne blir innlagt på rehab av sin mor Doris, der hun (uten for store vanskeligheter, det må sies) blir ren og prøver å gå tilbake på jobb, bare for å få beskjed om at hun er uforsvarlig, med mindre hun bor hos et ansvarlig foreldre , dvs. moren hennes. Vi kan tilgi filmen at den er ganske glanset og overtar avhengighet og bedring, fordi den egentlig ikke er det sentrale fokuset, i stedet er historiens viktigste fascinasjon for kjærlighets- og avskyelig tussel som eksisterer mellom de to kvinnene - på intet tidspunkt antydes det at begge har vært et monster for den andre (i motsetning til, si “;Mamma Kjære”; som får en shout-out), men ingen av dem er helt skyldløse. Og slik fungerer historien faktisk ganske jevnt, og til slutt gir mindre en overvinne-hindringer for å finne suksessfortelling enn en tilfredsstillende balansert, og fremdeles inne i baseball-morsom, fortelling om den eldre generasjonen som lærer nåden å passere stafettpinnen, og den yngre generasjonen som lærer å godta det grasiøst.
I tillegg til 'Coraline, ''Dyrebar”Og selvfølgelig den første“Carrie'Som vi har skrevet om omtrent i denne sammenhengen tidligere (linkene igjen er her og her),'Mildred Pierce”Er en annen film vi forguder som tar sitt sentrale tema som et fullstendig borket mor / datterbånd, og som i å ha det Joan Crawford skildre den heroisk selvoppofrende og uendelig kjærlige moren, gir et fint kontrapunkt til “Mamma Kjære, ”Over (og Todd Haynes Miniseries er også fantastisk). “Hvit oleander”Er et annet kvinnelig-ensemble-ledet drama av en hard mor som gyter urolige avkom, mens skrekksjangeren også har gitt noen få oppføringer, med'Mama”Og“ForeldreløsÅ være noen av de nyere eksemplene. Bortsett fra at det er mange, mange filmer der et jævlig mors forhold til en datter danner et underdiagram, men to som vi syntes var spesielt minneverdige var “Wild at Heart”Som scorer ekstra poeng for å ha mor og datter fra det virkelige liv Diane Ladd og Laura Dern, og Hitchcock'S misogynist, mor-hater vidunder “Marnie. ”Med den eneste forsiktighet at vi prøvde å fokusere på filmer der både mor og datter har full karakter (i motsetning til at datteren er baby eller lite barn, for eksempel) føler seg fri til å få alt Electra-kompleks på oss og rope ut favorittene dine til de vi har savnet nedenfor. - med bidrag fra Rodrigo Perez
