De 10 mest essensielle Marlon Brando-forestillingene
Det er aldri færre enn åtte grunner til å tenke på Marlon Brando til enhver tid, men akkurat nå er det et par flere: det er 61 år til dagen siden utgivelsen av Elia Kazan'Er jevnaldrende “Ved vannkanten, ”Som nettet Brando den første av hans to beste skuespiller Oscars, og denne uken ser også utgivelsen av en av årets beste dokumentarer, 'Hør på Me Marlon. 'Vi har hatt seks tiår å snakke om glansen av de første, så noen få ord om det andre, som vi ga en sterkt positiv gjennomgang av Nye regissører / New Films Festival, og som, om noe, de av oss som har sett det siden, er enda mer høye på.
LES MER: Se: Trailer And Clip For Marlon Brando Documentary ‘Listen To Me Marlon’
Britisk regissør Stevan Riley har tidligere montert dokumentarer på James Bond-serien, internasjonal cricket og den årlige boksekampen i Oxford / Cambridge, men lite kan virkelig forberede deg på den rene intelligensen og håndverket som har gått inn i hans formelt strenge, forbløffende intime portrett av denne skjermlegenden. Ved å bruke sin enestående tilgang til mange timer med tapede intervjuer, tilståelser og arkivopptak, hvorav mye aldri har blitt sett før (han hadde det ufrie samarbeidet om Brando-godset), har Riley bygget en fullstendig overbevisende, resonansfull, opprettholdende film ved å bruke nesten ikke annet enn Brandos egne ord. Det er et særegent filosofisk, melankolsk og vakkert stykke arbeid, desto mer oppsiktsvekkende for å dykke så dypt under huden til en av de mest skremmende mytologiserte skuespillerne som noensinne har ruslet på et filmsett. Som sådan er det den sjeldne filmdokumentasjonen som har en slags universalitet som gjør den mektig for utenforstående, til ikke-fans, til og med for de som kan være aktivt på vakt mot den postuøse løve, nesten deifiseringen av Brando som skuespillerens guddom.
Men det formidable omdømmet kom selvfølgelig ikke ut av ingensteds, og bare slik at du kan orientere deg før du oppsøker “Listen to Me Marlon” (i teatre fra i morgen), her har vi samlet de ti største Marlon Brando-forestillingene . Dette er filmene som skapte myten, og se filmen som gjenskaper mannen.
“; En gatebil kalt begjær ”; (1951)
Hver stjerne skylder sin karriere til et enkelt prosjekt, men få har nådd den slags nattberømmelse som Brando oppnådde med sin øyeblikkelig ikoniske Stanley Kowalski i “; A Streetcar Named Desire. ”; Brando ble uavgjort takket være Elia Kazan’; s debutproduksjon av hva som ville blitt Tennessee Williams’; mest kjent skuespill, motsatt Jessica Tandy, bare 24 år gammel. Da regissøren kom for å bringe stykket på skjermen fire år senere, ble Tandy erstattet av det mer berømte Vivien Leigh, men Kazan stakk av med Brando, som ble en øyeblikkelig megastar (og plukket opp den første av fire Oscar-nikker på rad) når filmen åpnet. Og lite rart. Som Stanley, den brutale svogeren til å falme Belle Blanche DuBois (Leigh), er Brando magnetisk, jevn og nesten spesielt når han knapt gjør noe i det hele tatt. Uutslettelig sexy (ja, enda sexigere enn når Ned Flanders spilte rollen), svingende, animalistisk og balanserer en følelse av reell fare med sporadisk flanke av barnlig glede og til og med en slags romantikk, truer hans opptreden med å velte filmen over i Stanley Kowalski-show, og likevel er Brando fortsatt raus nok til å være i tjeneste for Leigh og hans andre medstjerner. Selv i dag kan skuespillere som representerer sine berømte sceneroller ende opp med å føle seg over-the-top og altfor teatralsk, men det er aldri en trussel fra Brando her: det er aldri et øyeblikk hvor han føler noe annet enn ekte ( forestillingen var basert på den virkelige bokseren Rocky Graziano). Det er lett å være hyperbolisk om en forestilling som dette, men skjermspillingen var ærlig talt ikke den samme etter “; Streetcar. ”;
“Julius Caesar” (1953)
Midt i en av de største kastene som noen gang er samlet for en Hollywood Shakespeare-tilpasning (Louis Calhern som Cæsar, James Mason som Brutus; John Gielgud som Cassius, Greer Waiter som Calpurnia, Deborah Kerr som Portia), for å si at Brando er den fremtredende i Joseph L Mankiewicz‘S“ Julius Caesar ”er både slags villedende og helt sant. Vildledende, fordi resten av rollebesetningen, spesielt Masons edle Brutus og Gielguds falske Cassius, er like sterke, men sant fordi Brando legemliggjør Marc Anthony's konfliktbaserte karisma bedre enn sannsynligvis annen skjerminkarnasjon. Det var en risiko: rollen ville gi ham den tredje av fire påfølgende nominasjoner til beste skuespiller, men da casting først ble kunngjort, ble det møtt med spott - den store mumleren ikke bare tok til seg den shakespearske dialogen, men i 'Venner, romere, Countrymen ”adresse, en av de mest berømte av Bards politiske taler? Brando selv var bekymret, men han tok råd fra den shakespearske tingen Gielgud, og diksjonen hans er skarp og trygg, og ordene synger virkelig. Han kommandoer her, og gir Marc Anthony rasende dybder så vel som strålende kjekkhet, som kan virke useriøs, men å sexere Shakespeare, særlig de politiske skuespillene, er ingen mening. Faktisk var det rapporter om at han og Mason sammenstøtet, men ser på det nå, fungerer deres forskjellige tilnærminger: Masons mer klassiske stil passer til den edle republikanske Roma fra Brutus, mens Marc Anthony ble spilt med Brandos metode, er selve legemliggjørelsen av den nye, den unge, den drivende, den farlige, enden av status quo.
“På vannkanten” (1954)
Det er mange, mange overraskende utelatelser fra den nylige BBC-avstemningen av de 100 største amerikanske filmene, men kanskje ingen av dem er like flate som fraværet av Elia Kazan'S ruvende klassiker om unions uro og korrupt idealisme på Hoboken docklandsområder. Ikke bare vant filmen 8 av de 12 Oscar-nominasjonene (inkludert Beste Bilde, Beste Regissør og Beste Skuespiller for Brando), den handler så nøyaktig med kanten av myntkastet som er den amerikanske drømmen, at den føles som en ubeskrivelig inkludering i en slik liste. Men igjen, det er en bred strek av 'un-Americanness' her - ironisk, med tanke på både Kazan og skribent Budd Schulberg “Navngitte navn” - mens filmen glorifiserer den vanlige arbeider mannen og brorskapets kraft, snarere enn den eksepsjonalistiske individualismen som er den kapitalistiske måten. Og Brandos ytelse er den perfekte innkapslingen av den tilnærmingen: hans Terry Malloy er både unik og vanlig. Nåd og følsomhet for denne forestillingen (inkludert improviserte pyntegjenstander som det øyeblikket han fraværende prøver Eva Marie Saint 's hanske som ganske enkelt er et av de vakreste skuespillerstundene som noen gang er begått for celluloid) får oss til å føle for Malloy som en ekte person, men allikevel henter Brando også de havdypene som roiler under. Hvis Kazans film totalt sett er en enestående prestasjon i å forene elementer i film noir-filmskaping med en kompromissløs sosialrealisme, henter den en enorm mengde av den energien fra Brandos sublime blanding av scene og spontanitet. Dette er ikke hans showiest eller mest ikoniske rolle; det er rett og slett hans beste.
“; The Wild One ”; (1957)
En ung Brando hadde skjermtestet for den lang-gestikulerende filmen som til slutt ble “;Opprør uten grunn”; tilbake i 1947, men mens han kanskje hadde tapt på den, fikk han sin egen opprørske unge hovedrolle fra 1950-tallet i & The Wild One, ”; det kontroversielle sykkelgjengedramaet fra regissør László Benedek og produsent Stanley Kramer. Brando spiller i en grad at han får Stanley Kowalski til å se ut som en krympende fiolett, og Brando spiller Johnny Strabler, lederen for Black Rebels Motorcycle Club, som invaderer den rolige byen Wrightsville, forårsaker ødeleggelse med lokalbefolkningen og innleder en romantikk mellom Johnny og Kathie (Mary Murphy), datteren til den lokale politimesteren. Filmen var unektelig noe av et utnyttelsesbilde, og forberedte seg på bekymringer i det virkelige liv rundt frykten fra motorsykkelgjenger, men filmens innvirkning på popkulturen gikk lenger enn det: som ‘ Rebel ’; og “;Blackboard Jungle”; det hjalp til med å skape tenåringen som en identitet (“; Hva er det du gjør opprør mot? & Johnny blir spurt, som han berømte reagerer på, “; Whaddya fikk? ”;), det ble forbudt i Storbritannia i fjorten år på grunn av frykt av copycats, og opprettet et øyeblikkelig ikon i Brandos mye imiterte sideburns og skråhette. Mye av dette skjuver at & The Wild One ”; isn ’; t, vel, en spesielt flott film: tunghendt, reaksjonær, tinnøret, mangler teft og med en ganske anonym støttende rollebesetning (dog et tidlig opptreden fra Lee Marvin er god verdi). Og allikevel er Brandos så smidig karismatiske, så sjelfulle, så stille triste, at han bærer bildet med seg.
LES MER: Se: Marlon Brandos skjermtest for ‘Rebel Without A Cause’
“Sayonara” (1957)
Denne listen inneholder ubeskrivelig klassiske filmer med uforståelig forbløffende Brando-forestillinger. Den inneholder også mindre enn klassikere med gode Brando-forestillinger. Men 'Sayonara' er kanskje den mest problematiske inkluderingen. Det er ikke en virkelig flott film - men velmenende antirasismesentiment for tiden, den er kjøpt på bekostning av et dypt reaksjonært og orientalistisk syn på den eksotiske underdanighet av japansk kvinnedom, og den har Ricardo Montalban spiller japansk. Og den Oscar-nominerte Brando er heller ikke feilfri i rollen som den koreanske krigstidens flyvåpen Major som faller for en japansk skuespiller - hans sørlige aksent er en litt vanskelig situasjon. Likevel til tross for, eller kanskje på grunn av dets mange utgaver, “Sayonara,” fra regissør Joshua Logan ( 'Sør-Stillehavet“) Tjener sporet her. Det belyser rekkevidden for talentene hans kanskje bedre enn mange av hans mer kjente roller. Hans Major Gruver har ikke noe dypt, truende mørke - han har ikke Terry Malloys brokenness, Stanley Kowalskis raseri eller oberst Kürts galskap. Gruver er blant de enkleste karakterene Brando noensinne har spilt: et anstendig, patriotisk flyvende ess hvis inngrodde og helt representative fordommer overvinnes av kjærlighet - det er Brando som en hvermann, og det er en virkelig vakker, følsom forestilling. Støttet av flotte svinger fra Røde knapper og Miyoshi Umeki (som vant de to supporterne skuespillerne Oscars det året) - uten vulkansk blåsing eller spisestue-tilstedeværelse av noen av hans mer berømte svinger, her ser vi hans metode brukt i mye mindre skala, og han leverer: en presis og spennende empatisk legemliggjøring av et godt menneske som trinnvis ombestemmer seg.
“; Gudfaren ”; (1972)
1960-tallet var ikke et bra tidspunkt for Brando (som man kan fortelle fra fravær av noen filmer fra tiåret på denne listen), med kritisk-flittig flopp etter kritisk-spottet flopp. Stjernen hans hadde bleknet i en slik grad at når Francis Ford Coppola ønsket å kaste ham i sin tilpasning av en masse-roman med mafia-tema kalt “; Gudfaren, ”; Paramount motsatte seg, og lot det bare skje hvis skuespilleren byttet avgift for en prosentandel og gikk med på å betale for eventuelle overskridelser som følge av hans egen oppførsel. Det var en risiko som avgjort lønte seg, med en forestilling som var kortere enn du husker, men som ikke hjemsøker resten av Coppola som er enormt vellykket trilogi, men krimfilmen generelt. Brando er en spiller som er femten år eldre enn han egentlig var, og berømt pyntet seg med bomullsknopper i kinnene. Brando er Vito Corleone, Don av en mobbfamilie i New York, som står overfor ny konkurranse og en usikker forbipasserende til hans barn. Det er en mye imitert, mye parodiert forestilling (med skuespilleren blant dem som riffet på den, slik vi ’; vil se), og med god grunn: han er en representant for en eldre, enklere verden, en som Brando selv hadde hjulpet til med å legge bort, og der var en dyp melankoli, spesielt i de siste stadiene, på den måten han synlig glir bort, begge innhold for å dø naturlig med familien, og likevel på en eller annen måte skuffet over å være ute av løkka. Den vant skuespilleren sin andre Oscar (og det fortjent).
“; Siste tango i Paris ”; (1972)
Noen måneder etter “;Gudfaren”; knuste kontorkontor, sementerte Brando comebacket sitt med et annet kritisk elsket treff: Bernardo Bertolucci’; s utrolig kontroversielle “; Siste tango i Paris. ”; Etter at han følte seg stadig mer frakoblet i løpet av 1960-årene, så dette og Don Corleone ham dukke opp med en ny ild i magen (litt mer substansiell), her som Paul, en sørgende amerikaner i Paris som innleder en provoserende affære med en mye yngre fransk kvinne , Jeanne (Maria Schneider). Opprinnelig ment for Jean-Louis Trintignant, karakteren er et åpent sår av en mann, som gir etter for sine dypeste og mørkeste seksuelle ønsker, og det føles på en eller annen måte at dette er en Brando strippet av Bertolucci av hans tilbakeslag. Med få sminke eller sminke med bomullsknopp, er det en nesten uutholdelig rå forestilling, samtidig sympatisk, patetisk, ynkelig og avskyelig. Ikke alle skuespillere kunne trekke den filosofiske gymnastikken til Bertolucci ’; s dialog (“; Helt opp i rumpa til døden, helt opp i rumpa, til du finner fryktens livmor ”;), men Brando trekker den av uten anstrengelse, og hans merkelig kjemi med Schneider er følbar, selv om deres virkelige forhold var avgjort rockere. Og selv om det ikke viste seg å være, som Pauline Kael hadde spådd, “; den mest befriende filmen noensinne er laget, ”; det beholder utvilsomt sin makt til å sjokkere og provosere for et moderne publikum (og beviste en stor hit den gangen). Det er synd at våre moderne filmer om sex og seksualitet er nærmere “;Femti nyanser av grått”; enn til dette, men hvis Brando hadde spilt Christian Gray, kan vi tenke veldig annerledes om den filmen …
“Apocalypse Now” (1979)
Vi hører mye om Brandos oberst Walter Kurtz før vi faktisk ser ham i Francis Ford Coppola’; s landemerke “; Apocalypse Now ”;. Han blir omtalt i tøysete, redde toner gjennom hele filmen som en slags mytisk figur - noen å være fryktet like mye, om ikke mer, som Vietcong. Så det er ganske utrolig at når vi endelig ser Kurtz en gang i nærheten av filmens fandenivoldige forkjennelse - gjemmer seg seg i det som ser ut til å være monastisk tilbaketrukkethet, omsluttet av mørke skygger og snakke med et skjelv i stemmen hans som antyder smerter utover noe du eller Jeg kunne forstå - at han på en eller annen måte er enda mer skremmende enn vi forventet. Som en dekorert amerikansk spesialstyrkeoffiser som finner seg vill i sinnssykhet forårsaket av krigens redsler - for ikke å snakke om det lokale folketes innfall, som har lyst på ham en slags gud - utstråler Brando en berusende blanding av episk storhet og ekte, menneskelig smerte (som kan glemme sin snarling til Martin Sheen’; s kaptein Willard at den unge mannen er lite mer enn en & erdgutt sendt av dagligvarekontorer ” ;?) Filmlore går ut på at i tillegg til hans allerede beryktede anfall om uberegnelig oppførsel, viste Brando seg også til skuddet til “; Apocalypse ”; drastisk overvektig, og tvinger dermed Coppola til å skyte scenene med stjernen sin, bare i håp om å skjule skuespillerens ugudelige kroppsbygning. Men uansett hva den ubeskrivelige galskapen Brando gjorde under fremstillingen av denne filmen - uten tvil Coppolas beste - er der oppe på skjermen for oss å undre oss over. I en karriere med store svinger er dette en av de største, og definitivt en av de skumleste.
“; The Freshman ”; (1990)
Med “;Gudfaren”; tilbake i zeitgeisten takket være at den opprinnelige trilogien ble avsluttet samme år, parodierte / hyllet Brando sannsynligvis sin mest kjente forestilling med denne terminalt undervurderte komedien fra “;Svigerforeldrene”; og “;Fletch”; forfatter / regissør Andrew Bergman. “; The Freshman ”; topp-linjer Matthew Broderick som en ung NYU-student som ender opp med å jobbe for en lokal mobster, Carmine Sabatini (Brando), som har en lukrativ sidevirksomhet med å servere truede arter på en kveldsklubb, og som blir forfulgt av Justisdepartementet. Det er en hyggelig merkelig film, og gjort lukt av tilstedeværelsen av Brando, og essensielt repriser Don Corleone, og ikke så mye eldre ut her enn han gjorde der (i en morsom metatakt, kommenterer karakterer hvor mye han ser ut som Corleone i filmen, en karakter som angivelig er basert på Brandos karakter her). Det burde ikke fungere, ikke engang eksternt, og likevel gjør det det. Til dels er det på grunn av Bergman, som aldri virkelig fikk æren han fortjener for den slags piskesmarte mainstream-komedier han lager, men i stor grad er det på grunn av Brando. Det hadde vært så lett for ham å ringe dette inn, men kanskje ansporet av resten av rollebesetningen (Broderick ’; s perfekt rollebesetning, Bruno Kirby, Penelope Anne Miller og Maximillian Schell er morsomme), repliserer han dypt den tidligere forestillingen, men bygger videre på den også. Han har aldri spilt for latter, men det er en god vits til timingen hans her (imponerende gitt at Brando vanligvis kom med komedie), og han er bemerkelsesverdig morsom, og til og med bedårende som et resultat.
“The Score” (2001)
“; Poengsummen ”; kunne ha vært forferdelig, og det hadde fremdeles vært bemerkelsesverdig for å være den eneste gangen Brando og hans disippel Robert DeNiro noen gang dukket opp i en film sammen. DeNiro, bringer nyanser av hans harde, kalkulerende Neil McCauley fra Michael Mann’; s “;Varme” ;, spiller en annen karriertyv og Brando spiller sin tøffe, dritne sjef. Det alene burde være grunn nok til å se det; synet av disse to filmatiske storhetene bare ved å dele skjermen sammen gjør filmen verdig til minst en visning. “; Poengsummen ”; definitivt er ikke forferdelig, men det er heller ikke bra: det er en solid, ofte stønnende forutsigbar krim-thriller regissert med tilbakeholdenhet og tålmodighet av Frank Oz (stemmen til Yoda som ville fortsette å dirigere “;Hva med Bob?” ;, de undervurderte “;Bowfinger”; og også um “;The Stepford Wives”;). Brando er ikke mye i filmen, men han trenger ikke å være det: legenden hans kaster en skygge som mer enn kompenserer for tapet av skjermtid. Hans Max er en stor, utspekulert, ofte profan mann som snakker i den karakteristiske Brando-hvisken og hvis skarpe, forvitrede ansikt og klumpete ramme ser ut til å antyde en stor personlig historie. Brando har angivelig hatt vanskeligheter med regissør Oz under skytingen - selv om hjelmen har sagt, i senere år, at han følte at han kanskje ble tøffere på den ikoniske eldre skuespilleren enn han trengte å være - men det viser ikke i forestillingen . Som alltid var Mr. Mumbles all-in her, og resultatene er nervepirrende å se på.
Hederlige nevninger: Har noen stor skuespiller - uten tvil den største - laget så få gode filmer som Brando gjorde? Ofte når vi skriver et stykke som dette, finner vi at vi er hjertebrytende når vi lar visse filmer ligge ute, men det var ikke nødvendigvis tilfelle her: utenom topp-tier Brando blir valgene slankere, delvis på grunn av den relative sjeldne frekvensen av hans forestillinger, og hans perioder med tvilsomme valg.
Når det er sagt, er det fortsatt noen Brando-svinger som er verdt å sjekke ut, selv om de ikke ganske sitter blant verdens Corleones og Kurtzs. Blant dem var hans reteam med Kazan på John Steinbeck-penned biopic “;Lenge levende sko!”; som ikke lever opp til talentet som er samlet, men som fortsatt var nok til å vinne Brando Beste skuespiller på Cannes. Der er også hans forfalskende, mildt sagt feilkastede sving i “;Gutter And Dolls”; og det nå noe krenkende, men likevel synlige “;Teahouse of the August Moon. ”;
I tillegg er det mektige krigsdramaet “;De unge løvene”; (kanskje filmen som kom nærmest å lage denne listen), Sidney Lumet’; s svakt kjedelig “;The Fugitive Kind”; Brandos ensomme regiearbeid “;Enøyde knekt”; den oppblåste “;Mutiny On the Bounty,”; diplomatiske drama “;Den stygge amerikaneren”; John Huston’; s “;Refleksjoner i et gyldent øye”; (et sjeldent høydepunkt fra 1960-tallet), 1969 ’; s “;Brenne!”; (en av Brandos personlige favoritter), Michael Winner’; s “;The Nightcomers”; Arthur Penn’; s vestlige “;Missouri bryter”; Sør-afrikansk apartheidsdrama “;En tørr hvit sesong”; (hans første skuespilleropptreden på ni år), og hans semi-anstendige team-up med Johnny Depp på “;Don Juan DeMarco. ”; Noe annet du tror vi har savnet? Gi oss beskjed i kommentarene.
- Jessica Kiang, Oliver Lyttelton, Nicholas kalkulator
